realismo

Fotos sacadas en la escuela (Editadas) 

Realismo

Fotos tomadas en la Escuela "Enrique Carbo"

Flor del patio de la escuela- 01/11/17

Galería de la escuela- 01/11/17

Flor del patio de la escuela - 01/11/17 

Hiperealismo

Hiperealismo

DEFINICIÓN :Es un movimiento pictórico, cuyo propósito es realizar una transcripción de la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía, superando así la "visión" del objetivo fotográfico, con una exactitud meticulosa y precisa en los detalles. Los pintores hiperrealistas realizan un trabajo limpio, ya que no dejan marcas de pinceladas  sobre el lienzo ejecutando una pintura con exagerada fidelidad que traduce literal y fotográficamente la realidad visible, aplicando color por medio de veladuras y empastes con una destreza en el atrapamiento de la luz en el lienzo que permiten apreciar una imagen poética. Surge a finales de los años 1960 en  Estados Unidos como una tendencia radical de la pintura realista que va evolucionando por su increíble definición, nitidez y detallismo. Había escrito David M. Lubin: ”Al contrario que el arte pop, que invitaba al espectador a un intercambio intelectual y emocional lleno de humor y de chispa, el Fotorrealismo lo mantiene a distancia”.

El Hiperrealismo busca mantener en la pintura la conexión con la visión fotográfica del encuadre y la traducción fiel de la escena.

Por tanto, los temas son representados con exactitud minuciosa e impersonal en los detalles, por medio de una agudeza óptica llevada a cabo con tal virtuosismo técnico, que supera la "visión" del objetivo fotográfico.

Se va de lo real a la fotografía y de la foto al cuadro, reafirmando dos veces lo real o, tal vez, distanciándose doblemente del objeto; no hay una mirada subjetiva sobre la realidad, puesto que las imágenes son frías.

Precursores 

Jason Degraaf (Montreal, 1971) Diseñador, ilustrador y pintor canadiense. Igual que Antonio López prefiere partir del vivo para representar sus obras y no, basarse en fotografías. Sus obras reflejan el atractivo que encuentra en los colores reflejados y los destellos de la luz.

David Parrish (Birmingham, 1939). Del hiperrealismo de los coches al de las motos. David Parrish es  pintor, asesor de empresas, entrenador, escritor y orador. Un artista polifacético  bien adaptado a las exigencias del mundo del arte a día de hoy.

Steve Mills (Boston, Estados Unidos, 1959) Claramente influenciado por Richard Estes, el joven Mills estudió Arte y eligió como pilar central de su trabajo los elementos que concibe en la cuotidianidad de su día a día.

Pedro Campos (Madrid, 1966) es un impactante pintor madrileño que transmite a través de sus óleos cuestionarnos el origen de las obras que vemos ante nosotros, sobre si son fotografía o pintura. Influenciado por el mundo del pop art, en sus obras aparecen elementos clásicos de la sociedad consumista en la que vivimos inmersos.

Kamalky Laureano

Ron Mueck

Hiperealismo: Ron Mueck

Biografía

Ron Mueck nació en Melbourne, Australia, en 1958. Hijo de jugueteros, desde pequeño, entre títeres y disfraces, convivió con técnicas asociadas a dar vida objetos inertes. Sin ninguna clase de formación artística formal, desde niño dedica su tiempo al modelado de figuras, vocación que luego desarrolla dentro la industria del cine, la televisión y la publicidad, como realizador de efectos especiales y creador de personajes.

Trabajó en programas de televisión durante años antes de entrar en efectos especiales para cine, como es sabido trabajó en los personajes de Laberinto (1986), un film de culto épico-fantástico protagonizado por David Bowie.

A partir del año 1996, colaborando con su suegra Paula Rego produciendo  pequeñas figuras como parte de una escena que ella estaba mostrando en la Galería Hayward, comienza a abandonar progresivamente la producción de maquetas y modelos para cine y televisión.  La transición de artesano a la de artista se completa cuando es descubierto por Charles Saatchi, quien comienza a coleccionar sus obras y lo consagra como valor en alza. Saatchi elige Dead Dad , una escultura hiperrealista de pequeña escala del padre de Mueck muerto y desnudo, en la exhibición Sensation en el Royal Academy en 1997. Esa exposición incluyó también a otros “nuevos” artistas británicos como Damien Hirst y los hermanos Jake y Dinos Chapman, que llevan su quehacer a extremos definitivamente estremecedores.

Luego, en 2001, Mueck obtiene gran aceptación internacional y se destaca desde ese momento como uno de los artistas más originales del arte contemporáneo con Boy, un enorme niño agazapado de cinco metros de altura que se exhibió en el Milenium Dome y en la 49 ª Bienal de Venecia.

Ron Mueck no brinda entrevistas, incluso en el período previo a una nueva exhibición.

Hoy vive y trabaja en Londres.

Con sus obras de proporciones poco convencionales, busca recrear la magnitud de las emociones con relación al cuerpo, resaltando los más minuciosos detalles, desde la pigmentación de la piel, la más sutil de las arrugar, los vellos y las expresiones faciales, que sin dificultad crean de inmediato un vínculo con una “realidad”. suele utilizar pelo natural que ayuda a dar realismo a la composición. 

La textura

Textura  : es un Elemento del Lenguaje visual  que se refiere a la superficie de una figura. Se denomina así no sólo a la apariencia externa de la estructura de los materiales, sino al tratamiento que puede darse a una superficie a través de los materiales también  es el aspecto exterior que produce una obra tanto a nivel táctil como visual.es un elemento. Es el tacto es el encargado de decodificar la textura ya que es el que produce la sensación como la dureza, rugosidad, suavidad, entre otras. 

Las texturas pueden ser :

Según el volumen se puede hablar de las siguientes texturas:

Textura Visual: Es aquel  estrictamente bidimensional, es aquella textura  que puede ser vista por el ojo aun que puede evocar sensaciones táctiles. Se distinguen por tres  clases.

1.    Textura  Visual Espontanea: Es aquella  donde  no decora la  superficie, si no es parte del proceso de creación visual, la figura y la textura no pueden ser separados por que las ramas de mano  accidentales contiene frecuentemente una textura espontanea como el soplado el esparcido, la integración de colores en forma  natural. Se da por la sucesión varias técnicas el uso de color mezclado con otros materiales  dan la sensación una composición abstracta donde no se define ninguna forma y los colores  son sometidos  manera irregular provocando así unos diferentes efectos. Su acabado puede resultar verdaderamente plástico. Este trabajo aplicado a una  forma plana da como resultado una aplicación  bien artística.

2.    Textura  Visual  Decorativa: Es la que decora una superficie y queda subordinada a la figura en otras palabras la textura misma es un agregado que puede ser quitado sin afectar mucho a las figuras y su interrelación en el diseño puede ser dibujadas a mano u obtenidas por recursos  especiales que  nos brinda la computadora. Es decir la creación de fondos adaptables a cualquier diseño, fondos de cielo, tramas  rítmicas etc

3.    Textura  Visual  Mecánica: Se refiere a la textura obtenidas por  medios  mecánicos y son artificiales, sin necesidad de modificar  su naturaleza se puede emplear de manera decorativa y genera  cierto ejemplos tramas, tipografías, papeles con texturas, cartones, , cuero, papeles liso, corrugado , telas, plasticos etc.

Textura Táctil: estas texturas, en cambio, son percibidas tanto con la vista como con el tacto y, a diferencia de las anteriores, sí poseen volumen, por lo que son tridimensionales. Las texturas táctiles de los objetos varían enormemente entre sí, pueden ser suaves, rugosas, lisas, etcétera.

Según el origen de las texturas, estas se clasifican en:

  Textura   Natural : estas texturas son propias de las superficies y cuerpos que ofrece la naturaleza, por ejemplo la corteza de un árbol, la piel del elefante.

 

 Textura  artificial o modificada: provienen de aquellos objetos y superficies que fueron creados por las personas  Los materiales son modificados para que ya  no sean los acostumbrados por ejemplo: el papel arrugado, rasgado, perforado, un trozo de madera tallada, aserrín,  sorbetes monedas, botones, hilos, lanas, vidrio, pared ladrillos  podemos encontrar más pero a pesar de su transformación sigue siendo  reconocibles.

 Artistas que usan en sus obras texturas

Los artistas utilizaban las texturas como un elemento plástico para conseguir mayor expresividad en sus obras.

MIQUEL BARCELÓ

Pintor español contemporáneo con gran proyección internacional. Sus obras están en los museos de todo el mundo.

Elementos configurativos del lengua visual parte 2

¿Qué es el color?

El color, como tal, no existe, solo es una percepción. Una interpretación de nuestro cerebro de las señales que le llegan a través de nuestros ojos.                 Es una sensación que se produce en respuesta a una estimulación nerviosa del ojo. Esta estimulación es causada por los rayos de luz y por las longitudes de onda que lo componen.                                                                                                               La interpretación del color es parte de nuestro sentido de la vista y como tal, único y particular. Al no existir ojos, ni cerebros iguales, cada ser humano ve los colores de un modo diferente, aunque muy similar si no se sufre ninguna anomalía.                                 Es un atributo que percibimos de los objetos cuando hay luz. Todo el mundo que nos rodea es de colores siempre y cuando haya luz.

 

¿Cómo se relaciona con Joan Miro? 

Joan comenzó pintando sobre fondos planos de  tonos neutro y están pintadas en una gama corta de colores vivos especialmente de los colores primarios en esos cuadros había siluetas amorfas alternando líneas acentuadas puntos rizos o plumas y que tenían el contraste perfecto entre el fondo y la silueta 

 

Pasado unos años Miró manifestó su deseo de abandonar los métodos convencionales de pintura, en sus propias palabras de "matarlos, asesinarlos o violarlos", para poder favorecer una forma de expresión que fuese contemporánea, y no querer doblegarse a sus exigencias y a su estética ni siquiera con sus compromisos hacia los surrealistas. Ahí es cuando su pintura empieza a evolucionar y elimina los contrastes con una paleta de colores básicos de colores planos y con la luz. Empieza a aparecer un lenguaje muy personal mezclando el arte y poesía unos de los cuadros de mas representativa de esta nueva etapa es la de “El carnaval de Arlequin  en el cual quiso  en  "las alucinaciones que producía el hambre que pasaba el artista.

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Biografía  de Joan Miro

Joan Miró nace en Barcelona  el 20 de abril de  1893

Nació el 20 de abril de 1893 en Barcelona en el seno de una familia acomodada. Su padre fue Miquel Miró i Adzeries y su madre Dolors Ferrà i Oromí  . Fue un niño introvertido y de salud frágil. Pese al talento artístico de Miró, su progenitor intentó persuadirlo para que soldado.

Su padre logró que se matriculara en una escuela de comercio, aunque simultáneamente frecuentaba 'La Escuela de la Lonja', famosa academia artística por la que el propio Picasso había pasado fugazmente unos años antes.

Al finalizar sus estudios mercantiles, fue contratado por una empresa química de la que fue despedido por pintarrajear en los libros de contabilidad. Cursó estudios en la Escuela de Bellas Artes y en la Academia Gali de su ciudad natal.  
                                                                                              
 Realizó su primera muestra individual en las Galerías Dalmau (1918).( Miró presentó sesenta y cuatro obras entre paisajes, naturalezas muertas y retratos. Estas primeras pinturas tienen una clara influencia de las tendencias francesas, sobre todo del postimpresionismo, del fovismo y del cubismo)

En sus trabajos anteriores a 1920 aparecen influencias fauvistas, del cubismo y de los frescos románicos catalanes. En el año 1920 viaja a París donde hace amistad con Pablo Picasso, y asiste a eventos dadaístas.

En 1921 expone en solitario en la Galerie La Licorne.

Un año después forma parte del "Grupo de la rue Blomet". Miró parte de la memoria y de lo irracional para crear obras que son transposiciones visuales de la poesía surrealista como en

 El campesino catalán de la guitarra (Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid)

o Interior holandés (1928, Museo de Arte Moderno, Nueva York).

El éxito de Miró radicaba en su capacidad para seducir al público con la percepción espontánea de su lenguaje de formas onduladas y su irresistible atractivo cromático.

Aunque identificado con la causa republicana, volvió a España en 1940 tras el inicio de la II Guerra Mundial. Experimentó con otros medios, como grabados y litografías, a los que se dedicó especialmente en la década de 1950. También realizó acuarelas, pasteles, collages, pintura sobre cobre,

 Escultura escenografías teatrales y cartones para tapices. Sin embargo, las creaciones que han tenido mayor trascendencia, junto con su obra pictórica, son sus esculturas cerámicas, entre las que destacan los grandes murales cerámicos.

Escultura :

(Mujer pájaro Barcelona)  

 La pared de la Luna y La pared del Sol (1957-1959) para el edificio de la UNESCO en París

y el mural del Palacio de Congresos y Exposiciones de Madrid.

La Fundación Miró de Barcelona fue inaugurada en 1975  ubicada en Barcelona, centro cultural y artístico para difundir las nuevas tendencias del arte contemporáneo, que se constituyó con un gran fondo de obras donadas por el autor

Joan Miró falleció el 25 de diciembre de 1983 en Palma de Mallorca.

"Para mí es importante conseguir la máxima intensidad con el mínimo esfuerzo. Por eso el vacío ocupa un papel cada vez más relevante en mis cuadros". Joan Miro 

Obra : 

"Prade pueble"

Elementos configurativos del lengua visual

Linea: Es el resultado de una sucesión de puntos que se desplazan o no en la misma dirección.
Si desplazamos un punto sobre una  superficie con un inicio y un fin, un sentido y una dirección obtenemos una línea. Esta claro que la línea como cualquier otro signo puede trazarse con diversos instrumentos y sobre diversos materiales. Y de acuerdo a sus características, materiales con las que la realicemos, superficies etc, podremos conseguir diferentes connotaciones o sensaciones. La línea suele responder a un reflejo espontáneo y esta siempre relacionada a la persona que la realiza.
Así podemos distinguir en la línea  diferentes configuraciones atendiendo a su grosor, intensidad, Direccionalidad  y uniformidad.

Diferente grosor:está relacionado con la intensidad del trazo, a más presión del gesto gráfico sobre el soporte, más intensa será la línea y más gruesa.

Uniformidad: es la capacidad de mantener un aspecto o patrón en su desplazamiento por el espacio produciendo una especie de trama continua.


La intensidad: Depende de la presión mayor o menor que apliquemos sobre la superficie con el instrumento que estemos dibujando.


Direccionalidad: Toda línea adquiere un sentido según su particularidad y conlleva en sí una tensión una dirección que determina el movimiento.
Las formas más simples de línea recta son:

a)La horizontal: Sensación de  reposo, tranquilidad. Si abundas las lineas horizontales en una composición resulta fría 

b)      La vertical:  contrario a la horizontal, es al mismo tiempo estática y rígida pero su prolongación la permite en ambos sentidos, hacia arriba y hacia abajo, un movimiento.

c)      La oblicua o diagonal, que reúne equivalentes de las anteriores, pero se ve aumentada su tensión por efecto de la dirección que adopta, de manera que se acentúa el movimiento.

d)     La curva, que a causa de su naturaleza produce invariablemente sensación de tensión y dirección y por lo tanto de movimiento, nunca es estática.

Hay otros tipos de lineas como : 

Espiral

Línea quebrada o en zigzag

Lineas paralelas:

Lineas  Perpendiculares:

 

Lineas Convergentes: 

Lineas radiales :

Por Ejemplo:
La obra de Kandinsky "Composición de ocho " se ve un claro ejemplo del uso de los diferentes tipos de lineas en el arte 




Otro ejemplo podría ser La obra "Noche Estrellada de Vicent Gogh" tiene lineas curvas que expresan dinamismo, acción, tencion y falta de equilibrio y estabilidad